Mat Osman parle du nouvel album en daim "Autofiction" et investit dans la base de fans

Lors de la réforme en 2010, il était crucial pour les membres des rockeurs alternatifs britanniques de garder leur groupe comme une entité en mouvement. Suède.

Chacun des quatre albums studio qui ont suivi a exploré de nouveaux territoires, poussant constamment la musique vers des endroits passionnants.

Sur le dernier album du groupe Autofiction, leur neuvième, l'objectif était de capturer l'essence des sets live bruyants de Suede en studio comme jamais auparavant, en enregistrant en direct devant des fans avec un minimum de musiciens d'accompagnement ou d'overdubs.

Alors que la pandémie a fini par rendre difficile l'inclusion des fans dans le processus d'enregistrement proprement dit, le produit fini atteint néanmoins l'objectif, avec le nouveau morceau "What am I Without You?" sonder la dynamique cruciale qui existe entre le groupe et le fan, définissant l'expérience du concert en direct.

« Brett a ce truc. C'est un talent rare je pense. Pour écrire ces chansons qui, en apparence, sont des chansons d'amour assez traditionnelles. Mais, au fond d'eux, il se passe quelque chose d'assez étrange. Et celui-là était exactement ça », a déclaré le bassiste Mat Osman de l'écriture de chansons du chanteur de Suede Brett Anderson sur le nouveau morceau. « C'est très facile à entendre comme une chanson d'amour très traditionnelle. Mais je pense que cela vient du fait de ne pas pouvoir jouer en live – la prise de conscience très soudaine qu'un groupe sans public… n'est rien. Nous ne sommes rien sans eux. Vous n'êtes que cinq gars dans une pièce », a-t-il expliqué. "C'est juste une reconnaissance que rien de ce que nous faisons ne signifie quoi que ce soit sans que les gens nous écoutent."

Lors d'une récente escale à Chicago, au milieu d'un rare course américaine en co-tête d'affiche avec Manic Street Preachers, la basse slap d'Osman a lancé "The Drowners", Anderson chantant bras dessus bras dessous avec des fans prenant des selfies sur le sol de l'Auditorium Theatre, "Animal Nitrate" entraînant les fans dans une frénésie quelques instants plus tard.

J'ai parlé avec Mat Osman de son travail pour capturer l'esprit du live frénétique du groupe sur Autofiction, la relation de Suede avec ses fans et en gardant un œil plus attentif sur le côté commercial depuis sa réforme. Une transcription de notre conversation téléphonique, légèrement modifiée pour plus de longueur et de clarté, suit ci-dessous.

Je sais que capter le son live était cette fois un vrai objectif (même s'il a été un peu contrarié par la pandémie). Surtout à la sortie des deux derniers albums, qu'est-ce qui a rendu cela si important cette fois-ci ?

MAT OSMAN: Je pense que c'était deux choses. Je pense que c'était en partie parce que les deux derniers disques étaient très cérébraux et assez compliqués. Il y avait des orchestres et des pièces de créations orales. Et je pense que nous avons juste senti que nous étions allés aussi loin dans cette voie que nous voulions aller. Au-delà de ça, c'est un peu comme Talk Talk ou quelque chose comme ça. Et nous ne voulions pas y aller.

Mais je pense qu'en général, en tant que personnes, en tant que groupe, nous réinitialisons tous les deux ans. Nous revenons au début et essayons de comprendre ce qui rend cela magique et ce qui vous donne envie de le faire.

Et parce que nous avons cette histoire bizarre. Coming Up était comme un deuxième premier album, vous savez? C'était comme un nouveau groupe en gros. Et Sports sanguins, quand nous sommes revenus alors que nous avions été absents pendant une décennie, tout recommençait. Toutes les quelques années, nous avons une catastrophe et nous devons recommencer. Et cette fois, on a juste décidé de recommencer sans la catastrophe.

Il y avait quelque chose qui m'a vraiment frappé dans l'idée d'essayer de capturer le son en direct. Parce que je sais que vous n'avez pas enregistré avec beaucoup de musiciens supplémentaires pour y parvenir. Ironiquement, c'est devenu une époque où de nombreux groupes s'appuient sur des pistes d'accompagnement sur scène au lieu d'utiliser ces musiciens supplémentaires. À quel point était-ce important pour vous d'éviter cela, que ce soit sur scène ou en studio ?

MO : Cela a toujours été vital pour nous – vraiment important.

Une des choses que nous avons faites quand nous sommes revenus a été de regarder d'autres groupes qui s'étaient reformés. Et nous sommes allés voir quelques personnes dont je ne citerai pas les noms. Et il est devenu très clair que ce qu'ils fournissaient était un souvenir - c'était le disque joué avec une précision incroyable avec quelques musiciens de session et des bandes d'accompagnement. Mais vous auriez aussi bien pu être dans la pièce de devant.

Je pense, encore une fois, parce que nous nous sommes écrasés et brûlés, que nous avions tant à prouver. Et la toute première fois que nous avons répété, nous avons dit : « D'accord… Allons-y vraiment petit – serré. Et que ce soit nous cinq avec un contact visuel, que nous puissions nous voir, et nous jouerons simplement. Et c'est en quelque sorte notre mantra depuis.

Et l'une des choses qui m'a toujours frustré, c'est que nous n'avons jamais vraiment capturé ce drame et cette puissance en studio. Et c'était une tentative très délibérée de capturer cela cette fois. Je pense que nous nous sommes rapprochés plus que jamais. Je pense qu'il y a une sorte de crudité et d'irrégularité que nous n'aurions probablement pas eu la confiance nécessaire pour laisser avant. "She Still Leads Me On" est environ cinq BPM plus rapide à la fin qu'au début. Il y a des erreurs et des trucs là-dedans. Et nous voulions capturer cela. Nous voulions que vous vous sentiez comme si vous étiez dans la pièce avec nous.

« Que suis-je sans toi ? » se lit comme une sorte de chanson d'amour à votre public. À quel point était-il important de frapper cette note ?

MO : Brett a ce truc. C'est un talent rare je pense. Pour écrire ces chansons qui, en apparence, sont des chansons d'amour assez traditionnelles. Mais, au fond d'eux, il se passe quelque chose d'assez étrange. Et celui-là était exactement ça. C'est très facile à entendre comme une chanson d'amour très traditionnelle. Mais je pense que cela vient du fait de ne pas pouvoir jouer en live – la prise de conscience très soudaine qu'un groupe sans public… n'est rien. Nous ne sommes rien sans eux. Vous n'êtes que cinq gars dans une pièce.

Toutes ces choses sont liées. L'une des raisons pour lesquelles nous voulions une sensation live est d'avoir le sentiment que nous sommes tous dans le même bateau. Un grand spectacle en direct concerne autant le public que le groupe. Vous ne pouvez pas avoir un super concert avec un public aussi bas. Peu importe à quel point vous êtes un bon musicien, il s'agit de cet échange d'énergie.

J'en arrivais au point de réaliser que, surtout la première fois, vous pouvez devenir très blasé à propos des gens qui écoutent - vous supposez simplement qu'il y a un public là-bas et qu'ils achèteront vos disques et viendront à vos concerts. Mais, à mesure que vous vieillissez, je pense que le sentiment que vous avez réellement affecté la vie des gens et que vous faites partie de la vie des gens devient une chose beaucoup plus importante.

Nous avons formé un groupe pour les mêmes raisons que la plupart des gens forment un groupe : se montrer, se faire entendre et avoir des filles. Mais tu ne peux pas être comme ça dans la cinquantaine. Et, tout à coup, l'idée que ce que vous faites se tisse dans des moments importants de la vie des autres devient une très belle chose.

C'est juste une reconnaissance que rien de ce que nous faisons n'a de sens sans que les gens nous écoutent.

"Turn Off Your Brain And Yell" sonne comme un hymne pandémique. Cela résumait en quelque sorte mon état d'esprit pandémique parfois de toute façon. Je sais que c'était la dernière chanson écrite pour Autofiction. Était-ce une sorte de réponse à ce qui se passait dans le monde ?

MO : Dieu ouais, je veux dire que le disque était terminé. Mais je ne sais pas - c'était en fait terminé alors qu'une sorte de verrouillage était presque terminé. C'est presque un résumé du record cependant. Il s'agit de ce genre de sens primal de la musique, vous savez ? Quelque chose comme « Personality Disorder », quand nous jouons ce live… c'est une chose purement physique. Mais il y a quelque chose d'absolument génial à ce sujet.

Quand nous sommes revenus pour la première fois – lorsque le groupe s'est reformé et que nous avons joué au Royal Albert Hall – j'ai réalisé que cette chose physique était quelque chose que j'avais complètement oublié. La chose physique : le son d'un énorme groupe de f-ing à travers d'énormes haut-parleurs f-ing et ce qu'il vous fait physiquement. Et c'est ce qu'est cette chanson.

C'est sans cervelle. Tout tourne autour du corps et du coeur.

PLUS DE FORBESJames Dean Bradfield, Mat Osman sur Rare Manic Street Preachers, Suede US TourBy Jim Ryan

Je regarde la chronologie de votre groupe ici. Vous partez en 03 juste au moment où le bouleversement de l'industrie de la musique avec Internet commence vraiment. Vous revenez en 2010 et ça bat son plein à ce moment-là avec des conséquences majeures pour les artistes. En tant que personne qui a étudié à la London School of Economics, lorsque vous vous trouvez dans une industrie aussi radicalement différente, trouvez-vous utile d'être un peu plus attentif au côté commercial ?

MO : Oh ouais, tout à fait. Nous sommes en charge maintenant. La première fois, c'était presque une leçon abjecte sur ce qu'il ne fallait pas faire. Nous avons juste supposé que quelqu'un d'autre payait pour tout. Il ne nous est jamais venu à l'esprit que chaque f – ing chose - chaque luxe, chaque aftershow, chaque bouteille de champagne - revenait à vous à un moment donné sur la ligne.

Je ne l'aurais changé pour rien au monde. C'était une explosion absolue - c'était vraiment le cas. Mais, ouais, de nos jours, nous sommes beaucoup plus – nous faisons les disques nous-mêmes. Nous payons nous-mêmes les disques et les donnons ensuite aux maisons de disques. J'adore le faire de cette façon. C'est beaucoup plus tendu. Et cela signifie que nous devons penser à des choses financières - pour lesquelles aucun d'entre nous n'a d'aptitude. Mais c'est une question de contrôle. Nous arrivons à faire les disques que nous faisons.

Nous avons été incroyablement chanceux. Nous avons vendu beaucoup de disques alors que vendre beaucoup de disques vous rapportait beaucoup d'argent. Et nous avons joué dans beaucoup de festivals alors que jouer dans des festivals vous rapporte de l'argent. Nous avons touché le sweet spot les deux fois.

C'est tellement plus difficile pour les jeunes groupes. Je ne peux pas imaginer ce qu'un groupe comme nous ferait maintenant. Nous avons obtenu un contrat d'enregistrement sur notre premier single et aucun d'entre nous n'a jamais retravaillé. Nous avons juste fait de la musique. Et puis je vois des big bands de nos jours… et ils bossent dans les bars la journée. Et ça me semble complètement fou. C'est vraiment le cas.

À quel point est-il important de trouver continuellement de nouvelles façons de faire avancer la musique et de ne pas se fier uniquement à la nostalgie ?

MO : Nous ne le ferions pas autrement. Nous ne le ferions vraiment pas.

L'une des bonnes choses est que j'ai toujours l'impression que nous pouvons nous permettre une sorte de Coming Up tournée ou une réédition du 20e anniversaire de quelque chose tant que la plupart de ce que nous faisons est tournée vers l'avenir.

Cela nous fait juste… Je pense que nous avons l'impression que nous n'avons jamais tout à fait réussi. Et je pense que c'était une chose fabuleuse que nous ayons rompu. Parce que je pense que nous avons toujours eu ce sentiment de devoir faire mieux. Tu sais ce que je veux dire?

C'est, je pense, le meilleur disque que nous ayons fait depuis très, très longtemps. Et tout ce qui me fait sentir, c'est que peut-être le prochain sera celui-là. Peut-être allons-nous enfin réussir.